Après 20 ans de projets musicaux divers et variés, le Nantais Sébastien Guérive a décidé de se recentrer et d’assumer pleinement ses choix dans un album pensé comme une bande originale de film. L’album sort en mars, le premier single sera disponible ce vendredi 22 janvier accompagné d’un clip magnifiquement hypnotique. Rencontre…
Sébastien Guérive en studio
Sébastien, peux-tu te présenter en quelques mots pour ceux qui ne te connaissent pas encore ?
Sébastien Guérive. Je suis un compositeur nantais depuis plus de 20 ans à travers différentes formes artistiques. J’ai monté différents projets musicaux, dont La Pensée Errante, Io’n, Da Sweep. Issu de la musique classique et contemporaine, je me suis intéressé très vite à la musique électronique, à la recherche d’un équilibre entre ces univers.
Omega Point est ton premier album, du moins sous le nom de Sébastien Guérive. Il sort le 19 mars prochain. Comment le présenterais-tu ?
Sébastien Guérive. Lorsque j’ai décidé de sortir cet album sous mon nom, il était important pour moi d’assumer ma singularité artistique que j’ai façonnée durant toutes ces années. Il s’agit d’un album où l’on retrouve de l’ambient, du sound design et de l’electronica. J’ai souhaité utiliser des synthétiseurs analogiques afin d’obtenir des timbres instrumentaux et des niveaux d’expressivité aussi riches que clefs des instruments acoustiques.
Les albums instrumentaux sont aujourd’hui très rares. Pourquoi ce choix?
Sébastien Guérive. Il est vrai que dans le paysage français peu d’artistes sortent des albums instrumentaux car ce type d’esthétique est plus difficile à défendre en France. Maintenant au niveau international on retrouve plus facilement des albums instrumentaux. J’ai fait ce choix, car j’ai voulu donner à cet album l’esprit d’une bande-son de film. Celle que j’aimerais un jour composer 🙂
Quelles sont ou quelles ont pu être tes influences majeures ?
Sébastien Guérive. Dans les artistes qui m’influencent actuellement, je citerais : Jóhann Jóhannsson, Nils Frahm, Ben Frost et Rival Consoles.
On rapproche ton travail sur la musique à celui d’un plasticien. Tu considères la musique comme un art visuel ?
Sébastien Guérive. Pour moi, la musique peut être assimilée aux arts plastiques, elle peut sculpter les sons au même titre qu’un plasticien. Je considère que la musique instrumentale est le partenaire idéal pour s’associer à l’image.
Un premier single sort ce vendredi, il s’appelle Omega II et est accompagné d’un clip réalisé par Thomas Blanchard, un clip hypnotique, expérimental, étrange, comme ta musique. Un mariage parfait ?
Sébastien Guérive. Je souhaitais pour le clip Omega II un univers d’images organiques et chorégraphiques, dont le sujet est la métamorphose. Le travail de Thomas étant de longue date consacré à la macro remplissait totalement la partie organique et son idée d’images stroboscopiques sur la danseuse à permis de traiter l’aspect chorégraphique. Nous espérons avoir trouvé le bon écho visuel à ce single et nous présenterons également ces images sous forme d’exposition.
Propos recueillis par Eric Guillaud le 20 janvier 2021
Il avait fait sensation il y a un peu plus de trois ans avec un album dédié à l’univers du réalisateur Bertrand Blier, le duo nantais Cabadzi est de retour avec deux clips et bientôt un album baptisé Bürrhus en référence au grand psychologue et penseur américain Burrhus Frederic Skinner…
Vous ne connaissez pas Burrhus Frederic Skinner ? Je vous rassure, vous n’êtes pas seul(e) dans ce cas. L’avantage avec le duo nantais Cabadzi, c’est qu’on apprend des choses en même temps qu’on se divertit…
Que dit Wikipédia sur l’homme ? Qu’il s’agit d’un psychologue et penseur américain, un penseur influent du behaviorisme, fortement influencé par les travaux d’Ivan Pavlov et ceux du premier comportementaliste John Watson.
Bon ok ! Mais que vient faire cet homme dans ce cinquième album des Cabadzi qu’on nous annonce pour février 2021 et dont les deux clips fraîchement diffusés,Cabane et Mélanco, nous donnent un avant goût ? C’est ce que nous avons demandé à Olivier Garnier et Victorien Bitaudeau, membres éminents du duo Cabadzi…
Comment en êtes-vous venus à vous intéresser à ce psychologue et à ses recherches ?
C’est en cherchant à comprendre pourquoi les réseaux sociaux sont si addictifs que l’on est très vite tombé sur les expériences du comportementaliste B.F Skinner. C’est un peu le point de départ et de référence de toutes les analyses à ce propos.
Nombreux sont ceux qui connaissent Bertrand Blier, auquel était dédié votre précédent album, mais Burrhus Frederic Skinner, peu, très peu, le connaissent. vous en êtes conscients ? Ce n’est peut-être pas très vendeur…
Ce projet est très différent de l’album X Blier, il s’est d’ailleurs fait à l’inverse. Nous ne sommes pas partis de B.F Skinner pour écrire ce disque comme on l’avait fait avec Blier. C’est juste qu’au début de la création, on avait 3/4 morceaux et tous évoquaient de près ou de loin les conséquences psychologiques d’un monde où la représentation de soi-même sur les réseaux est la norme. S’apercevant de ça, on a creusé et on s’est intéressé sérieusement au sujet.
Concrètement, en quoi l’album est-il influencé par cet homme ?
C’est beaucoup plus un clin d’oeil qu’une influence. Et il suffit de se balader dans la rue pour voir comment nous sommes tous obnubilés par notre smartphone comme le sont les pigeons par les graines dans l’expérience de B.F. Skinner. L’image est la même. Apprendre en plus que toutes les applis d’aujourd’hui se réfèrent aux travaux de ce chercheur lors de leur conception ajoute pas mal d’ironie à la chose.
Cette addiction aux réseaux sociaux, vous en souffrez vous-même ?
Dire qu’on en souffre serait exagéré, mais on le sait tous, ces applis nous font sans cesse osciller entre bonheur et tristesse. Elles nous fatiguent tout autant qu’elles nous aident. Elles prennent clairement trop de place et il est difficile de s’en défaire. C’est sûrement ce sentiment sinusoïdal qui est désagréable.
Vous n’avez jamais fait dans le feel good mais on a le sentiment que vos chansons sont de plus en plus noires ? La société actuelle vous fait peur?
Bizarrement, on n’a jamais la volonté de faire noir. On se laisse guider par ce qui vient, la seule chose qui nous anime, c’est de créer un truc vraiment personnel, composer une musique, écrire un texte que nous seuls pouvons faire. C’est simplement la façon dont on envisage la musique : on ne la voit beaucoup plus comme une émotion introspective qu’un divertissement.
Comment voyez-vous ce monde d’après qu’on nous promet différent et meilleur ?
On se méfie beaucoup du « c’était mieux avant » donc on aurait tendance à dire que l’on est optimistes. Ça dépend vraiment de ce qu’on regarde. On peut voir Bolsonaro, Zemmour ou Trump, on peut aussi voir Greta, Black Lives Matter ou #MeToo. C’est d’ailleurs sûrement ça le monde de demain : une polarisation des idéaux… et le danger qui va avec.
Comment vivez-vous cette période étrange pour ne pas dire anxiogène de pandémie ?
Comme tout le monde, anxiogène c’est le bon mot. Historique également, mais une anti-Histoire : celle où il ne se passe rien. C’est ça le plus étrange : en faire le moins possible pour s’en sortir au plus vite. L’exact contraire de ce qu’on nous apprend depuis tout petit.
Ces deux premiers clips sont signés Marian Landriève avec qui vous avez déjà travaillé, un spécialiste des effets spéciaux. La réalisation est très soignée mais elle n’a pas dû être de tout repos. Pouvez-vous nous raconter un peu comment tout ça s’est déroulé ?
On a une vraie passion pour l’image et depuis notre rencontre avec Marian, on a l’impression que tout est plus facile, on se comprend bien. Le procédé est toujours le même : des journées entières à écrire le plus précisément possible des images et ensuite, tout faire pour les réaliser, même si ça paraît impossible sur le papier. Pour Cabane par exemple, on a passé une semaine à fabriquer une vraie cabane ainsi que tout un procédé pour la faire « voler » dans les airs, tout ça pour 15 secondes de plan :). Ça nous amuse beaucoup en fait, c’est une récréation.
À chaque fois que je vous écoute, que je découvre un nouveau titre, je me pose toujours la même question. Comment pourrait-on définir votre style musical ? Où vous caser en somme ?
On aimerait bien le savoir aussi, on n’y réfléchit jamais franchement. Le seul truc qu’on sait, c’est qu’on est passionné par le rap, le hip hop, depuis des années, donc c’est ce qu’on a l’impression de faire. En tout cas, ce genre autorise tout alors c’est sûrement ça qui nous va le mieux.
Après 60 concerts et deux confinements, le duo ligérien repart à la conquête de l’ouest avec un clip qui pourrait bien faire mordre la poussière à la morosité ambiante…
Coucou les revoilà ! Gaëtan Durandière, alias Corto Duval et Nathan Dallérac, alias Gaston Patapon dit Le Héron, que nous vous avions présentés ici-même il y a un peu moins de deux ans, poursuivent leur exploration du folklore américain avec ce nouveau clip réalisé dans le cadre de leur spectacle musical Héron & Duval et signé par le brillantissime Sébastien Marqué dont on a déjà pu mesurer l’immense talent notamment à travers les clips réalisés pour le duo rock nantais KO KO MO. On range les colts et on écoute Gaëtan et Nathan…
« Le texte a été écrit par Thomas Long. L’Autre Rive est une histoire d’errance, de vagabondage. Le personnage écrit à son amour qu’il attendra même après la mort. La musique que j’ai composée sur ce texte a été enregistrée au Garage Hermétique avec Quentin Vallier ».
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« L’idée à travers le clip et le morceau est de présenter les deux personnages du spectacle musical Héron & Duval. Sébastien Marqué nous a permis, à travers ce travail, de poursuivre notre recherche sur ces personnages. On a travaillé à partir de références cinématographiques, que vous reconnaîtrez probablement, Jake et Elwood Blues, Laurel et Hardy, Bud Spencer et Terence Hill »
« Pour la réalisation du clip, nous avons travaillé en partenariat avec des acteurs du Pays d’Ancenis. On a toujours à cœur de travailler de manière locale. Et puis on a pu tourner à La Raffinerie Nantaise, une boutique spécialisée dans les vêtements et accessoires du début du XXe siècle, ainsi qu’au Gatsby Bar à Angers, un bar clandestin qui s’inspire du Speakeasy ».
Sérieux coup de vent sur la scène nantaise ce week-end avec la sortie du nouvel EP du duo électro Parrad rejoint le temps d’un titre et d’un clip par un autre duo, les rockeurs de KO KO MO…
Avec un nom pareil, on ne pouvait décemment s’attendre à une comptine pour enfants sages et de fait Hurricane, extrait du nouvel EP éponyme déménage, décoiffe diraient les Nantais habitués aux perturbations maritimes.
Il faut dire que pour ce titre, le duo électro, qui réunit Atom de C2C et Gwen Delabar, a invité le duo rock KO KO MO qui ne s’est pas laissé prier et n’a bien évidemment pas gardé les mains et les médiateurs dans les poches. Quand la pop électronique croise la puissance rock, ça donne ça…
À l’image du clip accompagnant le premier EP de Parrad, Hurricane a été tourné à Tokyo par le photographe Glashier et son collectif When You Hear The Warning avec au menu de magnifiques paysages urbains et quelques belles envolées chorégraphiques.
Et l’album ? Il est annoncé pour le printemps prochain.
Confiné, déconfiné, reconfiné, mais au travail, l’artiste nantais Degree est de retour avec un nouveau single, un nouveau clip et de nouvelles sonorités. Rencontre…
extrait du clip Part of it
Nous l’avions croisé en 2018 (interview à retrouver ici) le projet n’avait alors que trois ans d’âge et lui-même 19 ans mais le Nantais affichait déjà une belle maturité musicale qui lui assurait, prédisait-on sans trop de risque, un bel avenir. L’avenir est là, Grégoire Dugast, alias Degree, revient avec un nouveau single qui marque une étape décisive dans sa jeune carrière avant la sortie d’un prochain album.
Repéré en 2016 par la radio KRCW de Los Angeles, sélection 2018 des Inouïs du Printemps de Bourges, du Fnac Live et des Inrocks Lab, Degree sort dans la foulée un premier EP co-réalisé avec 20syl, son oncle. Nous sommes en février 2020, la pandémie interrompt toute velléité de concerts mais Degree reprend sa plume et sa guitare pour composer à nouveau.
Part of it est le nom de son nouveau single, un nom anglais pour un titre chanté en partie en français et évoquant l’amour, la famille, les non-dits, les silences. Interview…
Nous t’avons rencontré en 2018, tu revenais de Bourges et te trouvais confronté à des choix décisifs qui allaient selon tes propos t’engager sur plusieurs années. As-tu réussi à faire ces choix, et les bons choix ?
Degree. Ces choix étaient ceux de l’entourage comme du son. Qui choisir pour avancer ? Quel son me définit et vers où aller ? Qu’ai-je à dire ? Au final, je ne peux pas savoir si les choix que j’ai fait sont les bons choix ou du moins je le verrai sur la durée mais je suis allé vers ce qui me correspondait le plus. Après un an d’expérimentation musicale, je suis fier de la musique que j’ai réalisé en équipe et j’ai conscience des thématiques qui me touchent et inspire mes compositions.
En deux ans, il peut se passer pas mal de choses pour un artiste. Concerts, rencontres, album… et pandémie. Comment as-tu vécu tout ça?
Degree. Deux ans c’est énorme et ça passe si vite en même temps. Pendant cette période, j’ai tout d’abord beaucoup remis en question ma musique, pourquoi j’en faisais et comment je m’exprimais. En parallèle, j’ai sorti mon premier EP Draw to an end qui marque mes débuts, l’aboutissement de mes premières compostions comme la fin d’une première exploration. Ces tracks m’ont permises de mettre en place un set que j’ai pu jouer en live, c’était que des premières pour moi, différents publiques, différentes scènes et conditions. J’ai appris à apprivoiser la scène jusqu’au moment de défendre mes tracks après la sortie de l’EP en mars 2020, c’est à ce moment que les choses ont changé pour le live.
C’est frustrant de se sentir bloqué dans le développement d’un projet, cependant ce sentiment a évolué grâce à mon équipe. Cela faisait un an que je travaillais avec 2 producteurs, Simon Quénéa et Pierre Cheguillaume (membres du groupe INUIT). Pour nous, au final, ce sentiment s’est transformé en une plus grande motivation dans la réalisation de nouvelles tracks. À la sortie de la première quarantaine on a alors directement embrayé sur mon premier album alors qu’on possédait une cinquantaine de maquettes.
Avec ce nouveau single, Part of It, on a le sentiment que tu as pris un virage à 180° et que, peut-être, tu t’es trouvé ? Que s’est -il passé ?
Degree. Ce premier morceau vient trancher avec ce que j’ai pu proposer dans mon EP, c’est vrai. Mon travail se retrouvait souvent dans les mêmes sonorités et avancer en groupe m’a permis de développer l’univers de mes morceaux de manières plus distinctes. Part of it puise dans la pop, dans la culture anglaise. Ce track ne doit pas être considéré comme le seul son que je fais, comme « ma nouvelle sonorité » mais comme un pas plus assuré vers une musique sincère qui s’affranchit des étiquettes.
Tu chantes en français pour la première fois je crois. C’est aussi un gros changement…
Degree. Dans mon premier EP j’ai expérimenté le français à travers Feu et un peu dans Forgetting. Pour autant, je me cachais dans des métaphores et des idées assez vagues. Je n’étais pas encore sur de moi.
Lors de la composition de Part of it, j’ai tout d’abord écrit en anglais par habitude et pour éviter de me bloquer dans l’expression de ce que je ressentais. Cela me permettait de garder une distance avec le texte. Au fur et à mesure de ma prise de conscience sur l’importance d’en faire un titre français à refrain anglais j’ai eu la chance de rencontrer une artiste/auteure très talentueuse, Zaho de Sagazan. Ensemble on a pu aboutir à un texte qui exprimait simplement ce qui me pesait et que j’avais besoin de délivrer. Travailler avec elle m’a donné une vraie confiance en moi par rapport à mon écriture et un échange, une assurance, sur ce qui était dit et comment il était exprimé.
Ce titre parle de la famille et d’amour ou plutôt du manque d’amour. Tu peux préciser ?
Degree. Ce titre parle d’amour dans une famille, la volonté d’être uni, la peur de blesser, de déstabiliser et le sentiment d’appartenance. C’est un titre qui résonne avec des expériences vécues. J’ai pu critiquer plus jeune les non-dits familiaux, ces silences qui pèsent, les sujets sur lesquels on évite de poser des questions. Cependant, lorsque je me suis retrouvé à cacher mon petit ami à ma famille par peur d’incompréhension et de rejet, je faisais moi-même alors partie des silences, non-dits et sujets à éviter.
Part of it commence par la prise de confiance que j’ai eu ces derniers temps vis à vis de certains membres de ma famille. J’y peins par la suite la présentation de mon copain et les doutes qui accompagnent celle-ci. Le refrain, lui, exprime mon sentiment d’appartenance à un groupe que je critique mais dont je fais également partie.
Pourquoi ce nom, Part of it ?
Degree.Part of It signifie « (faire) partie de ça ». Ce titre fait tout d’abord référence au sentiment d’appartenance à la famille et aux défauts que je critique dans cette chanson. Part of It est utilisé aussi pour désigner mon copain que j’invite à faire partie de ma famille « now you’re part of it too »/« maintenant tu en fais partie aussi ».
Nouveau single, nouveau son… et des collaborations avec Inüit pour la compo, Stan Neff pour le mixe et Louis Lekien pour le clip. Une belle équipe qui te suivra sur l’album à venir ?
Degree. Exactement, le son sera réalisé par la même équipe. Travailler ensemble devenait comme logique, instinctif. Zaho de Sagazan m’a accompagné dans l’écriture de plusieurs textes et elle-même travaillant avec des membres d’INUIT nous commençons à former un cocon nantais aux allures de famille. Stan Neff a été une révélation sur le projet, on a fait un premier test mixage et ça nous a paru comme une évidence. C’est un honneur d’avoir pu travailler avec Louis Lekien pour le clip et il est possible que notre collaboration ne s’arrête pas à Part of it …
Aussi, la cover de Part of it est réalisée par Rachel Demetz, artiste barcelonaise. Ensemble, nous travaillons sur le développement image de l’album afin d’approfondir mes propos à travers une recherche graphique.
Part of it est le premier single de ce futur album. Faut-il s’attendre à quelque chose de globalement indie pop ?
Degree. J’ai toujours eu des difficultés à identifier mon projet avec des étiquettes. Mon album sera plus assumé, sincère et contrasté que ce que j’ai pu faire auparavant. Il peut être considéré comme pop par ses sujets et la structure de mes morceaux. L’impulsivité de la réal, le son plus garage, underground anglais, peut lui se lier à un univers plus rock. L’album touche ainsi autant à de l’électro, de la folk que du rock. Si cela est considéré comme de l’indie pop alors cette étiquette me correspond bien.
Merci Grégoire, merci Degree. Propos recueillis par Eric Guillaud le 13 novembre 2020. Plus d’infos sur Degree ici
En ces temps de ralentissement global pour cause de pandémie, il est bon de constater que les artistes ne manquent pas malgré tout d’inspiration, de mots, de musique et d’images pour nous parler des choses de la vie. Ainsi en va-t-il pour le groupe nantais DBStraße et son nouveau clip à découvrir ici et maintenant. Attention, frissons!
Nous les avions rencontrés en juin dernier, une interview à retrouver ici-même, à peine sortis du confinement, Doris Abéla, Benjamin Durand, Suzanne Fischer, Julien Vinçonneau et la vidéaste Annabelle Durand, les DBStraße au grand complet, rejoignaient Stereolux, l’espace de création et de diffusion dédié aux musiques actuelles bien connu des Nantais, pour une résidence autour de leur nouveau spectacle Amours fauves du nom de leur deuxième EP.
Nous les retrouvons aujourd’hui à l’occasion de la sortie de ce nouveau single clipé par Annabelle Durand, comme un hommage au cinéma à l’ombre de Romy Schneider et Michel Piccoli. Explications…
Les Amours impossibles est un clin d’oeil, plus encore une référence directe à La Chanson d’Hélène de Philippe Sarde. Ça ne va peut-être pas causer aux plus jeunes d’entre nous mais les plus anciens comme moi ont les poils qui se hérissent à son écoute. Pouvez-vous nous raconter votre rencontre avec cette chanson ?
Annabelle.Il faut bien garder à l’esprit que ce morceau fait partie d’une histoire plus globale. Le projet de DBStrasse c’est un concert-concept autour d’une histoire d’amour, avec ses bonheurs et ses frasques… Les Amours Impossibles, c’est un chapitre parmi d’autres, une scène du film…
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Benjamin. J’ai chanté cette chanson, il y a trois quatre ans avec un projet swing reprenant quelques airs français parmi les plus connus. J’ai ensuite vu le film (Les Choses de la vie, ndlr) et j’ai vraiment aimé cette idée fixe et obsessionnelle de l’accident de voiture. Une histoire d’amour qu’on découvre à mesure que sa fin approche Dans notre spectacle « Amours Fauves », c’est le moment des regrets : les amants se sont faits trop de mal pour pouvoir s’aimer encore, et pourtant… « Les amours impossibles » évoque ce sentiment mitigé. J’ai emprunté le début à La Chanson d’Hélène, « Ce soir nous sommes septembre… » et j’ai fait varier le thème jusqu’au mois de décembre.
Le cinéma fait partie de votre ADN, on l’entend avec cette chanson, on le voit aussi avec ce clip très cinématographique réalisé par Annabelle Durand. Comment se sont déroulés son écriture et son tournage ? Au final, répond-il à vos attentes ?
Annabelle. L’écriture s’est faite assez vite, comme à chaque fois. Les chansons de DBStrasse sont très évocatrices et les images arrivent rapidement. Le tournage a été dense et froid en février dans les ateliers Magellan. J’aime faire des temps de tournage longs pour que tout le monde soit bien immergé dans l’ambiance. C’est toujours très intense, et une expérience collective forte sur le plan humain aussi.
Philippe Arbert nous a été d’une aide précieuse pour les lumières. C’était important pour chaque tableau. Le clip a sa propre histoire, sa propre narration illustrée avec le danseur, Sofian Jouini. Il n’est pas question de ce personnage dans la chanson, c’est pourtant le fil conducteur du clip. Car c’est aussi ça ce projet, plusieurs niveaux de lectures entre les textes, la musique et la vidéo.
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Benjamin & Doris. Annabelle s’est chargée du script: un mécanicien (Sofian Jouini), repense, revit, cette histoire d’amour impossible… Est-ce la sienne, celle de Michel et Romy dans le film ? Celle de DBStrasse ? Tout se mélange dans la tête du personnage central. Le tournage s’est déroulé en une seule longue journée : installation, répétition in situ le jour, tournage la nuit dans ce décor froid et industriel. Nous avions une super équipe : Jauris Maignan à la post-prod, Abigaël Briand au cadre et Philippe Arbert à la lumière plateau. Et oui, nous sommes très heureux.ses du résultat !
Au casting, il y a vous, Doris et Benjamin, même si vous faites une courte apparition, il y a surtout Sofian Jouini, danseur chorégraphe. Pouvez-vous nous le présenter ?
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Annabelle. Un danseur sensible, enthousiaste et inspiré.
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Benjamin & Doris. Nous avons rencontré Sofian sur son spectacle solo « Natures ». On a énormément aimé sa démarche faite d’incarnations, de métamorphoses, une présence animale sur scène qui questionne notre environnement, notre rapport à la société. On a commencé par faire quelques répétitions avec lui, danser ensemble et travailler un autre axe de notre spectacle. Très vite est venue l’idée de faire un clip. Sofian a pris part à l’écriture en proposant sa vision des corps en mouvement, son approche chorégraphique.
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Vous étiez en juin dernier en résidence à Stereolux pour préparer votre nouveau spectacle. Vous auriez dû le jouer cet automne. Ce ne sera finalement pas le cas. Peut-être en 2021. Comment vivez-vous cette période ?
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Annabelle. Le premier confinement a été annoncé juste après la sortie du premier EP, ça coupe l’élan c’est certain. Beaucoup de frustration, surtout après une semaine à Stereolux en juin, où l’envie brûle de voir une salle comble….
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Benjamin & Doris. Effectivement, comme beaucoup d’artistes, l’élan a été un peu coupé mais pas l’envie. On travaille actuellement sur des contenus vidéos, une nouvelle identité instagram et plus généralement on tente de raconter l’histoire des Amours Fauves autrement. Les concerts reviendront en 2021 !
Qu’est-ce qu’on peut vous souhaiter pour la suite ?
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Annabelle. La ré-ouverture des salles, c’est essentiel.
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Benjamin & Doris. Un dîner avec Michel et Romy ; ou alors que Godard veuille bien réaliser notre prochain clip 🙂
Merci Annabelle, Benjamin et Doris, merci DBStraße. Propos recueillis par Eric Guillaud le 10 novembre 2020. Plus d’infos sur le groupe ici
Dans le monde d’avant, quand on pouvait sortir en tribu et assister à des concerts, la soirée des Rockeurs ont du Coeur était le rendez-vous annuel pour se faire du bien et faire du bien aux autres. Face au virus, pas de concert cette année mais les rockeurs nantais n’ont pas jeté leur dernier riff…
On aurait pu les imaginer abattus par la crise sanitaire mais que nenni, le duo nantais KO KO MO garde la pêche et son récent passage à l’hôpital n’avait qu’un objectif : tourner le clip de Last Night A DJ Saved My Life, un méga hit disco-rap des années 80 revu façon rock’n’roll…
Il y a trois ans, la reprise de Personal Jesus des fameux Depeche Mode avait enflammé les réseaux et médias sociaux et offert aux KO KO MO une reconnaissance éternelle dans la stratosphère rock. Deux cent mille vues, deux albums et pas mal de concerts plus tard, le duo rock rebranche les guitares pour nous offrir une nouvelle reprise, un autre tube interplanétaire, le mythique Last Night A DJ Saved My Life du groupe Indeep, que tout le monde a déjà entendu si ce n’est fredonné.
Du disco chez les KO KO MO ? Du disco, oui, mais du disco passé à la moulinette rock avec à la sortie, du lourd, de l’explosif. Warren et K20 nous expliquent :
« Nous voulions faire une réponse à notre première cover Personal Jesus. Pour aller plus loin, l’idée était de prendre un morceau qui n’avait rien à voir avec l’esthétique Rock, donc, quoi de plus inattendu que de partir d’un titre disco pour KO KO MO ? Les paroles de cette chanson des débuts des années 80 (1982) pourraient presque se traduire comme un dialogue entre nous grâce à notre différence d’âge, nos personnalités et nos influences musicales. Nous passons pas mal de notre temps en tournée, ce qui nous permet et nous laisse le temps de se faire découvrir énormément de choses… Entre autres, de la musique. Pour cette cover, c’était pour nous l’occasion de collaborer pour la première fois avec une autre équipe de tournage « CLACK » Des copains, mais surtout des artistes talentueux, qui aiment notre univers et avec qui nous avons eu un réel plaisir à travailler aujourd’hui. Et le message de cette reprise, par les temps qui courent, nous plaisait beaucoup. Tout le monde a une chanson qui lui sauve la vie, à un moment où un autre… ».
Sans être hypocondriaque, on ne rêve pas forcément de fréquenter les hôpitaux. Alors, pourquoi avoir choisi un hôpital désaffecté pour ce nouveau clip ? Réponse du réalisateur Kevin Charvot :
« Le choix d’un hôpital abandonné pour KO KO MO semblait évident. Au vu de leur musique électrique et musclée, il fallait trouver un lieu avec une âme, un vécu, un passé et un présent où pouvaient s’exprimer les deux artistes. Cet endroit a accueilli des soignants, des malades, des jeunes, des vieux… En voyant lamusique comme une thérapie, le parallèle sautait aux yeux, Last Night A DJ Saved My Life ».
Après avoir flirté avec le folk à ses débuts, Amy Lee & The Loco Project Band a rebranché les guitares pour un deuxième album beaucoup plus électrique, beaucoup plus rock. En attendant de le découvrir au printemps 2021, voici le premier single clipé par l’illustrateur Maxime Brugnon, Chemical Love...
Amy Lee & The Loco Project Band, c’est d’abord un nom, Amy Lee pour le côté féminin, le côté sensible assumé, même si le groupe est purement masculin. Et The Loco Project Band pour le côté musical, peut-être des influences blues ou soul souterraines. C’est surtout un nom qui brouille les pistes, reconnaissent les garçons, un nom qui ne les enferme pas dans un style. D’ailleurs, après avoir donné dans le folk, Amy Lee & The Loco Project Band a ressorti les guitares électriques pour un premier EP baptisé The Summer Session, livré en février 2020, et surtout un prochain album qui sera plus lourd, plus agressif, avec tout de même des incursions du côté de la pop et des musiques urbaines. Six titres ont déjà été enregistrés, six autres devraient l’être très prochainement, huit formeront l’objet final…
En attendant, le groupe dévoile son premier single et son premier clip, un clip réalisé en mode dessin animé par l’illustrateur nantais Maxime Brugnon. Jérémy Grollier, chanteur et guitariste, nous explique tout ça et le reste…
« Le titre Chemical Love a été écrit il y a quelques temps maintenant. Il évoque une passion destructrice d’une personne envers une autre avec à la fois le plaisir et le chaos que ça peut procurer. On a travaillé le titre en deux parties. une première plutôt mélodique et une seconde complètement instrumentale, chacune des deux phases musicales évoquant tantôt l’un ou l’autre des sentiments ».
« Étant fan du travail de Maxime Brugnon, je lui avais demandé de dessiner la pochette du premier album qui était très réussie et c’est tout naturellement qu’on lui a demandé s’il s’essaierait au dessin animé. L’idée du clip animé nous est venue de faire une sorte de voyage dans la tête du héros. Cela nous permettait de ne pas être limité en termes d’imagination, ni de se heurter à des limites techniques… Il a donc fait une première esquisse de 40 secondes sur une démo qu’on avait enregistré à la maison. En voyant les 40 premières secondes, on a décidé de rentrer au studio (au Garage Hermétique) et de produire le titre plus sérieusement. Quelques jours plus tard, on décidait finalement de partir sur un album et de confier la réalisation visuelle des autres titres à Maxime. Il travaille actuellement sur un deuxième clip et l’album devrait voir le jour au printemps 2021 »
Coloré, ensoleillé et radicalement funk, le nouveau clip du groupe nantais Ask After B pourrait bien réduire à néant la morosité ambiante tout en rendant un hommage appuyé aux femmes, à toutes les femmes…
Branchez les guitares, chaussez les rollers et c’est parti pour un peu plus de trois minutes de légèreté assumée. Women, le nouveau clip du groupe nanto-choletais vient de sortir sur les plates-formes habituelles avec deux belles ambitions : nous aérer l’esprit et rendre hommage à la femme, toutes les femmes, soeur, mère ou compagne.
« C’est un road trip très complice de deux femmes en roller quad… », nous explique le chanteur Freddy Tremblay, « un clip en toute simplicité, très coloré, rafraichissant, des sourires et l’été qui se prolonge. La chanson est un hommage à ce que représente LA femme dans ce monde et sur la gratitude que nous, les hommes, lui devons »
Le titre Women est extrait du premier EP d’Ask After B, Dazzling Light, sorti en juin 2019. Le clip a été tourné cet été sur l’île de Nantes sur une idée originale de Freddy tremblay et sous l’oeil avisé du vidéaste Judicael Olivier pour WARM-Productions, avec Karine et Anna dans le rôle des roller girls, le tout dans un esprit californien un peu 90′. De quoi glisser tranquillement jusqu’à la fin de la crise sanitaire… et au-delà!
